Médiéval contemporain. Pour une littérature connectée
La médiéviste Zrinka Stahuljak nous présente dans son essai un Moyen Âge empli d’enseignements pour notre propre société. Se penchant à la fois sur l’époque médiévale et sur l’époque néo-libérale, elle met au jour les rapports que nous entretenons aux mots et à la littérature, à leur histoire, et aide à faire comprendre les questions liées à la politique culturelle ainsi qu’à la préservation et au financement du patrimoine. Au fil de ces pages, c’est l’impérieuse nécessité de poursuivre les enseignements de la littérature et de l’histoire du Moyen Âge qui prend forme.
Zrinka Stahuljak enseigne la littérature et la civilisation médiévales à l’Université de Californie à Los Angeles (UCLA). Elle a publié en France L’Archéologie pornographique. Médecine, Moyen Âge et histoire de France (PUR, 2018) et Les Fixeurs au Moyen Âge. Histoire et littérature connectées (Le Seuil, 2021), et aux États-Unis, Bloodless Genealogies of the French Middle Ages (2005) et Medieval Fixers: Translation Across the Mediterranean, 1250-1530 (à paraître).
Le grand Burundun-Burunda est mort | El gran Burundún-Burundá ha muerto
Édition bilingue français-espagnol
« C’est un poème culte, l’un de ces joyaux presque secrets, de ces curiosités qu’on se refile sous le manteau entre zélotes d’une ‹ étrange confrérie › ». Patrick Deville résume en ces quelques mots l’aura mystérieuse de ce texte, inventaire des suppôts de la tyrannie réunis là, sous la plume de Jorge Zalamea et sur la plus longue et la plus large avenue du monde, pour le dernier voyage du Grand Burundun-Burunda, celui dont la volonté les a tous réduits au mutisme.
Jorge Zalamea (1905-1969), journaliste, écrivain, traducteur et critique théâtral colombien quitte Bogota en 1951 pour raisons politiques et écrit Le grand Burundun-Burunda est mort un an plus tard, depuis son exil de Buenos Aires. Pleinement universel, ce texte que l’auteur qualifie de forme hybride du récit, entre poème et pamphlet, nous rappelle l’incroyable richesse de la langue et la valeur essentielle des mots. Il n’est pas étonnant que Zalamea souhaitât qu’il fût déclamé plutôt que lu.
La Description littéraire
Cette anthologie réunit des textes de philosophes, de pédagogues, d’historiens de la littérature, de critiques, de théoriciens et d’écrivains qui n’ont cessé de débattre de l’éternel rapport des mots et des choses. Car la question que formule Lukács en 1936 traverse vingt-cinq siècles de réflexions occidentale sur la littérature : « Raconter ou décrire ? ».
Mémoires de ma vie
Redigés au soir de sa vie, peu après les célèbres Contes, les Mémoires de Perrault (1628-1703) s’interrompent au moment où l’auteur, tombé en disgrâce et supplanté auprès de Colbert par le propre fils du ministre, se retire dans la maison du faubourg Saint-Jacques pour se consacrer tout entier aux lettres.
Pendant vingt ans, Perrault a été l’homme de Colbert. Poète, théoricien, commis aux Bâtiments du roi, réformateur de l’orthographe, organisateur de l’Académie française, champion des Modernes dans la célèbre querelle avec Boileau – c’est aussi le laudateur infatigable du règne, l’« intellectuel organique » chargé de distribuer faveurs et prébendes, de contrôler ses pairs et de les faire travailler à l’exaltation du régime.
Intimement lié à son frère Claude (l’auteur de la colonnade du Louvre et de l’Observatoire), Charles le hisse à ses côtés au cœur du pouvoir. Ce sont les Perrault qui, par un harcèlement quotidien, parviennent à évincer le Bernin et à substituer leur projet au grand Louvre qu’avait dessiné l’illustre Italien.
Mais l’auteur délectable des Contes est avant tout un étonnant mémorialiste du siècle de Louis XIV, un portraitiste éblouissant de Colbert, Bernin ou Le Brun. Il nous peint la vie dans l’ombre du pouvoir : alliances, népotisme, ruses…
Tout un art de la répartie, de la litote, se dévoile ici : Perrault, quelques années avant Saint-Simon, nous livre un document incomparable sur la « société de Cour », au sens où l’entendait Norbert Elias.
Perpetuum mobile
Un formidable élan créateur anime la pensée et l’art de la Renaissance. Michel Jeanneret tente de capter cette effervescence, de communiquer cet enthousiasme.
Ce livre est à la mesure de la culture, extraordinairement diverse et féconde, du XVIe siècle européen. Il interroge de nombreux écrivains, d’Érasme à Rabelais, de Ronsard à Du Bartas. Il prend à témoins différents philosophes : Marsile Ficin, Montaigne et Giordano Bruno. Il analyse les dessins de Léonard, les statues de Michel-Ange et entraîne le lecteur dans les jardins de la Renaissance italienne.
Partout, Michel Jeanneret découvre l’attrait des métamorphoses. Les savants perçoivent le monde comme un système instable, un corps flexible ; ils rêvent d’une création qui, toujours en cours, n’en finirait pas de réinventer les formes de la vie.
Animées par une même passion pour les naissances et les transformations, les œuvres d’art sont conçues, elles aussi, comme des chantiers ouverts, des énergies potentielles. La perfection de l’art tient à la promesse d’un développement futur.
Exploration des puissances de la nature, foisonnement intellectuel, inventivité de la recherche ; tout cela est à l’origine de notre modernité.
Michel Jeanneret est professeur de littérature française à l’université de Genève. Ses travaux portent essentiellement sur la Renaissance : la poésie religieuse (Poésie et tradition biblique au XVIe siècle, Corti, 1969), Rabelais et Montaigne (Des Mets et des mots. Banquets et propos de table à la Renaissance, Corti, 1987 et Le Défi des signes. Rabelais et la crise de l’interprétation à la Renaissance, Paradigme, 1994).
La Ressemblance informe
Ce livre est un traité d’esthétique paradoxale. Une esthétique que Georges Didi-Huberman développe à partir de l’analyse minutieuse – textes et images mêlés et confrontés – de Documents, la revue d’art que Georges Bataille, avec ses compagnons Michel Leiris, Carl Einstein, Marcel Griaule, et quelques autres, a dirigée en 1929 et 1930. Dans cette revue, Bataille a fait preuve d’une stupéfiante radicalité dans la tentative de dépasser, de « décomposer » comme il disait, les fondements mêmes de l’esthétique classique. Et il le fit autant dans la production théorique de quelques notions explosives que dans la manipulation pratique, concrète, des images qu’il convoquait et montait les unes avec les autres pour mieux éprouver leur efficacité. La rencontre de Bataille avec S. M. Eisenstein, leurs multiples affinités donnent toute la mesure de cette pratique et de cette pensée du montage. L’esthétique qui s’y fait jour est paradoxale en ce qu’elle déplace les problèmes traditionnels du « goût » vers ceux du désir, de la « beauté » vers ceux de l’intensité, et de la « forme » vers ceux de l’informe. Mais l’informe n’est pas refus de la forme.
Ce livre est donc traversé de ressemblances cruelles et informes, de ressemblances déchirantes et déchirées. Il tente néanmoins, au-delà des lectures « empathiques » dont Bataille a fait souvent l’objet, de dégager une leçon de méthode pour l’histoire de l’art et pour l’esthétique d’aujourd’hui : la conjonction d’une pensée transgressive et d’une pensée déjà structurale, la conjonction des avant-gardes artistiques (peinture, sculpture, cinéma, photographie) et des sciences humaines (archéologie, histoire, ethnologie, psychanalyse). Tout cela fait de Documents un véritable moment clef dans notre pensée moderne de l’image: un moment de gai savoir visuel dont nous devons, aujourd’hui plus que jamais, méditer la généreuse leçon.
Dans cette réédition l’auteur revient, dans une longue postface, sur le débat théorique suscité par la notion d’« informe », ainsi que sur les problèmes posés et les possibilités offertes par ce qu’on nomme encore la « critique d’art ».
Les Écrivains devant l’impressionnisme
Commodément rassemblés pour la première fois en volume, voici les textes fondamentaux des écrivains confrontés à la révolution impressionniste.
Dans la fraîcheur du premier regard, nous voyons Mallarmé et Zola plaidant, chacun à sa manière, pour Manet, ou bien Huysmans et Fénéon décrivant, dans des pages très travaillées, les femmes au tub de Degas.
Deux tendances – sinon deux générations – s’affrontent ici, qui proposent deux conceptions, deux lectures. Rien de commun entre les exigences d’un Duranty (il veut « enlever la cloison qui sépare l’atelier de la vie commune ») et les préoccupations formelles d’un Duret pour qui le sujet n’est qu’un « accessoire » devant céder la place à la « valeur intrinsèque de la peinture en soi ». Et tandis que pour Castagnary l’impressionnisme n’est rien de plus que l’issue logique du naturalisme, Mallarmé définit la peinture comme un art « fait d’onguents et de couleurs ».
Hormis ceux de Zola, partiellement antérieurs, tous les textes inclus dans ce volume ont été rédigés pendant la période héroïque de l’impressionnisme, entre 1874 et 1886. Ils sont contemporains des huit expositions qui virent le mouvement se constituer en école, subir les assauts d’une critique malveillante (« singes », « toqués », « barbouilleurs », « communards »), triompher et se dissoudre à la fin, rongé par les conflits internes.
Professeur à l’université Paris I, Denys Riout a publié de nombreux ouvrages sur la peinture moderne et contemporaine.
Nouvelles en trois lignes
Écrivain, critique d’art, secrétaire de la célèbre Revue Blanche, éditeur de Rimbaud, de Laforgue, Félix Fénéon entre au Matin en 1906 pour y tenir, au titre de rédacteur anonyme, la rubrique des Nouvelles en trois lignes. Il y exerce insidieusement un humour ravageur qui s’en prend au conformisme bourgeois et aux rites de la France républicaine, justifiant plus que jamais le jugement de Mallarmé : « Il n’y avait pas, pour Fénéon, de meilleurs détonateurs que ses articles… »
« F. F. » subvertit la logique du fait divers en jouant de toutes les ressources du langage. Il traite la nouvelle de presse comme un genre littéraire qui sous sa plume devient une sorte de haïku journalistique. Tout comme Alphonse Allais ou Jarry, il s’y révèle l’un des maîtres de la fumisterie « fin de siècle ». Jamais l’art de jouer du désastre n’aura été aussi précis et salutaire que dans ce recensement de l’actualité à la Belle Époque.
Cornucopia. Figures de l’abondance au XVIe siècle
« Le caractère réflexif et le non-finito de ces chefs-d’œuvre tumultueux et inquiets [qui se succèdent depuis Érasme jusqu’à Montaigne] n’ont jamais été analysés avec cette subtilité et cette vigueur. […] Terence Cave nous donne la sensation “shakespearienne” de la prose et de la poésie françaises du XVIe siècle. Et il nous aide à pressentir comment l’on a pu passer de cet art “métaphysique” au “mystère en pleine lumière” des Belles-Lettres laïcisées du XVIIe siècle. »
Marc Fumaroli
« Ce livre ouvre une voie royale sur la littérature du XVIe siècle. Dans la première partie, une synthèse sur les enjeux majeurs de la poétique et de la rhétorique à la Renaissance (imitation, interprétation, improvisation, inspiration…) avec, pour témoin principal, Érasme. Dans la seconde, trois chapitres – devenus autant de références obligées – sur Rabelais, Ronsard et Montaigne.
Au manuel d’Érasme sur la multiplicité des mots et des choses répondent la dynamique lexicale d’un Rabelais, la prolifération poétique d’un Ronsard, la productivité textuelle d’un Montaigne. Dans ces débordements, Terence Cave voit les symptômes d’une crise. Si les auteurs de la Renaissance en disent trop, c’est que, frappés par la malédiction de Babel, ils sont toujours à la recherche d’une plénitude qui leur échappe. »
Michel Jeanneret
Terence Cave occupe une chaire de littérature française au St John’s College d’Oxford. Il est l’auteur de Devotional Poetry in France 1570-1613 (1969), Ronsard the Poet (1973) et Recognitions: A Study in Poetics (1988).
Écrits sur Dante
Voici la somme la plus considérable jamais publiée en français sur le père de la poésie italienne. Erich Auerbach avait fait de Dante son auteur de prédilection. Entre 1921 et sa mort, il lui a consacré une quinzaine d’essais dont le plus vaste, «Dante poète du monde terrestre», a exercé une influence profonde sur la recherche dantesque, en particulier en Italie.
Le livre s’organise autour de quatre pôles :
– une analyse formelle de l’œuvre de Dante, «inventeur de la langue italienne», dans ses rapports avec la tradition antique, avec la poésie provençale et avec le dolce stil novo ;
– une réflexion historique : nous voyons se mettre en place chez l’auteur de la Divine Comédie un nouveau statut de l’individu, corps et âme soudés, pris dans l’Histoire, par-delà le symbolisme dogmatique et le spiritualisme de la période.
– une relecture des textes du Moyen Âge à partir du concept de figura. Le « figurisme » a révolutionné l’étude de la symbolique médiévale et des pratiques iconographiques. Auerbach montre comment le christianisme a réinterprété les thèmes bibliques pour les ramener au rang d’images prémonitoires et de figures anticipatrices de l’Histoire sainte chrétienne.
– une conception audacieuse d’un Dante visionnaire, parlant avec l’autorité pressante des anciens prophètes, porteur d’une révélation particulière – et qui n’est pas loin d’halluciner son propre récit de l’au-delà – ce qu’il en a « vu » – comme le destin effectif de l’homme.
